La primera de Rob

Empezar cualquier obra de arte con un plato fuerte es un riesgo difícil de asumir: sea un primer capítulo de una novela, una virtuosa introducción de un concierto o, como es el caso, una escena musical con tanta garra.

Porque uno siempre aspira a más conforme se va desarrollando la pieza; es lógico y razonable guardar los números brillantes para otro momento.

Así que este inicio, apenas vislumbrado, encoge el corazón del espectador avisado, porque se teme que a partir de ahí, todo descenderá hasta la banalidad.

Si además el que toma esa decisión es un director novel cuando planifica de antemano su primer largometraje, seguro que más de uno se lleva las manos a la cabeza.

Pero Rob Marshall, a quien eligieron en última instancia como director, no es ningún tonto. Monaguillo antes que fraile, Rob se inició como bailarín profesional y luego, con el paso de los años y la pérdida de facultades físicas y crecimiento de la ambición, devino en coreógrafo de lustre: seis nominaciones como mejor coreógrafo en su haber por trabajos realizados en Broadway así lo acreditan. Seis desde 1993 hasta 1999. La última, de hecho, como mejor director de un musical (una nueva versión de Cabaret) junto con Sam Mendes, quien declinó la propuesta de dirigir Chicago (Chicago, 2002) porque se hallaba enfrascado en su American Beauty.

La trama se sustenta en origen en una pieza de Maurine Dallas Watkins , cronista de crímenes de un periódico de Chicago, que en 1927 escribió la historia de dos asesinas que conmocionaron la ciudad, que se convirtió en película: Chicago (1927). Más tarde, en 1942, Ginger Rogers representó a la asesina Roxie Hart.

A mediados de los sesenta del pasado siglo, Gwen Verdon, casada con Bob Fosse, se empeñó en que le gustaría interpretar un musical con esa historia: Fosse le fue dando largas a su esposa y ella, como es natural, no se dio por vencida: como una verdadera gota china, insistió, insistió, hasta que al fin Fosse, que se encontró con los derechos de la obra en sus manos, las de su esposa y las de Robert Fryer, no tuvo más alternativa que ponerse a trabajar. Así, en 1975 se estrenó en Broadway el musical Chicago, obteniendo un clamoroso éxito.

Las excelentes composiciones musicales de John Kander y las canciones escritas por Fred Ebb más una adaptación del libreto por parte de Ebb y de Fosse, formaron un conjunto fantástico.

Rob Marshall desde el primer segundo y hasta el último fue consciente del peso de Fosse y compañía en la película con la que iba a estrenarse como director de cine: por eso, en los títulos de crédito, se rinde expreso homenaje a Gwen Verdon, Bob Fosse y Robert Fryer.

Contra la unánime opinión, ese primer número que pueden haber disfrutado, esa canción All That Jazz, no es un homenaje explícito a Fosse, referido a su película con el mismo título; el número musical es un homenaje de Fosse y compañía a la cabaretera Texas Guinan

Lo que en mi opinión sí es un homenaje directo a Fosse es la ambientación de la sala, tanto en ese número como en el que le sigue, ya que se inspira muy claramente en la forma de rodar Fosse "su Cabaret".

Pero aparte de las semblanzas y homenajes, lo cierto es que Rob Marshall despega y toma las riendas de todo el montaje con inspiración propia, sin renunciar a lo conocido.

Basándose en un guión de Bill Condon, Marshall ofrece su visión de una historia ya conocida. Su experiencia como coreógrafo le permite modular de forma excelente los bailes; según cuenta él mismo en el documental que acompaña el dvd, dedicó mes y medio a trabajar con el elenco hasta que moldeados cual barro en sus manos, supieron moverse como él quería.

Tuvo la enorme suerte de contar con Catherine Zeta-Jones quien se había iniciado en los musicales londinenses y sabe bailar y cantar desprendiendo un erotismo y una energía que hacen de su Velma Kelly una adorable asesina capaz incluso de liderar al bellísimo grupo de asesinas de la cárcel donde están aguardando su juicio, en el memorable Tango de la Cárcel

La idea de Marshall consiste en mezclar la mayoría de los números musicales con lo que podríamos llamar la vida real: el personaje de Roxie Hart (interpretado por una esforzada Renée Zellweger que canta bien pero se mueve como una gimnasta) imagina situaciones musicales y su representación toma tintes oníricos gracias a la espléndida paleta de colores fruto del inmejorable trabajo de Dion Beebe que pinta de luces de colores las diferentes escenas siempre adecuando el tono al significado de la escena, admirablemente compuesta en su planificación y montada por Martin Walsh con una sincronía entre realidad y ficción que consigue maravillar a cada revisión de la película.

El conjunto es fascinante pero no logra ocultar la acerada crítica residente en la obra original, donde los tejemanejes de los periodistas, más preocupados por vender periódicos que de otra cosa, dejan a un lado la ética profesional para enaltecer conductas reprobables, ofreciendo carnaza a un público ávido de sensaciones fuertes, punto flaco aprovechado por el avispado Abogado de Roxie, un tal Billy Flynn (Richard Gere, que entona bien pero sigue actuando como siempre), especialista que disfruta manipulando a la prensa

El conjunto de personajes que vemos desfilar carecen del más mínimo escrúpulo: únicamente el marido cornudo de Roxie, Amos (John C. Reilly, fantástico, sorprendente su calidad como actor secundario), es una persona que puede suscitar una reflexiva adhesión del espectador por ese tipo de buena fe al que todos engañan y a quien nadie toma en cuenta, como si realmente se tratara de un hombre invisible, hecho de celofán.

La valentía del libreto, que el guión mantiene, permanece inalterable e incólume al paso del tiempo; si la autora criticó duramente los procedimientos de los felices años veinte de la ciudad de Chicago, cuyos personajes más conocidos son hampones de la talla de Capone, oscureciendo a las buenas gentes, los dardos afilados persisten en el guión de Condon y Marshall los refuerza con su visión esperpéntica, surrealista y burlona, ofreciendo una espectacular, colorida, alucinante y malvada burla de lo que puede llegar a ser un tribunal de justicia, como si fuera un circo de tres pistas.

Marshall deslumbra con sus números musicales y los filma con una precisión y fuerza inolvidables e inimaginables en una ópera prima: su pulso es firme y se nota a la legua que tiene las ideas muy bien forjadas: sabe lo que quiere y sabe cómo obtenerlo. Cuenta con la inapreciable colaboración de Andrew M. Stearn como director artístico, alumbrando un Chicago envejecido, real, y un riquísimo desfile de vestidos a cual más brillante fruto de los bocetos de la diseñadora Colleen Atwood que ajusta el colorido de las telas a usar en la confección a la escena y a la iluminación, ofreciendo un todo asombroso y pletórico de conjunción artística.

Marshall consigue arrancar en este siglo XXI los vítores y aplausos del cinéfilo aficionado al género musical con una obra moderna en su concepción y clásica en su contenido: no rehuye la carga erótica que seguramente incluyó Fosse en el libreto y la refuerza con planos elípticos pero muy inteligibles; la crítica a la excesiva influencia de la prensa amarilla en las decisiones de los jurados de los tribunales persiste y sigue vigente, convirtiendo un musical en una parábola amarga de la actualidad: entre bailes y canciones, señalan con el dedo la podedumbre de una sociedad que toma como espejo a imitar conductas delictuosas y reprobables.

Una película que contiene en sí misma muchas otras: un musical destinado a recordar que en el mundo que vivimos el éxito se alcanza en ocasiones por medios amorales con el beneplácito de parte de la sociedad, más atenta a trapichear y conseguir beneficio sin esfuerzo que por medio de un laborioso trabajo honrado: un espejo distorsionado que refleja esperpénticamente a la prensa voraz de noticias: la sangre fresca deja huérfana de fotos a la Roxie vencedora de una justicia inane vencida por un fullero. Marshall no nos cuenta de hecho nada nuevo, pero lo hace con una convicción y fuerza indiscutibles y un lenguaje cinematográfico que al modo clásico nos permite disfrutar de los números musicales. El montaje en paralelo, como ya he apuntado, excelente, no tan sólo refuerza la interacción entre realidad y fantasía, sino que presenta las escenas musicales realzando detalles enriquecedores que en planos generales se perderían.

Chicago consiguió seis premios Oscar y siete nominaciones en el mismo certamen: cosecha sorprendente e inusual en una ópera prima; tengo para mí que alguno, vistas todas las candidaturas, como se puede comprobar aquí, resulta discutible.

Pero en mi opinión de cinéfago amante de los musicales, su categoría y calidad no han hecho más que crecer con el paso del tiempo; tan sólo puedo señalar como defectos subsanables las intervenciones de Richard Gere y de Renée Zellweger: ambos desempeñan bien sus caracteres pero se hallan faltos de la garra y fuerza de que hacen gala tanto la Zeta-Jones como Reilly, quedando desequilibrada la balanza del elenco interpretativo, en el que brilla también la intervención de la cantante Queen Latifah en un tema muy alejado de su especialidad

Seguramente un Billy Flynn interpretado por Christopher Walken y una Roxie Hart con el cuerpo y voz de Bernadette Peters hubieran sido una elección mucho más afortunada, ¿no? vean un ejemplo

Ese pequeño fallo de reparto y el hecho que aun no hace diez años de su estreno (en mi particular orden) son los únicos obstáculos que me impiden colocar directamente estos fantásticos ciento trece minutos de pasión, colorido, música y baile en la etiqueta de obra maestra; pero no hay duda que dentro del género musical, su lugar está muy cerca de la cabeza.

Sólo me queda desear que dentro de unas horas, el último estreno de la mano de Rob Marshall me emocione igual. Veremos...