Una catarsis impersonal

Los mortales de a pie, la gran masa que carecemos del hálito artístico que anida en la genialidad, ni entendemos ni podemos siquiera comprender qué es lo que pasa por el ánimo de un artista: únicamente aproximarnos a su obra reinterpretandola conforme a nuestra propia subjetividad dando como resultado un aprecio mayor o menor que dependerá siempre de la afinidad y del momento vital del espectador.

Los grandes artistas son gentes de otro mundo con unas expectativas particulares; si difícil resulta entenderse a uno mismo, comprender a un artista es tarea titánica.

Los directores de cine suelen mostrarnos en su obra retazos de su vida y su forma de pensar, casi siempre de forma subrepticia; pero en ocasiones llana y simplemente se desnudan ante nosotros mostrando su lado más humano, más cercano a las dudas vitales de cualquiera.

Eso es lo que hizo en 1963 Federico Fellini con su película 8 1/2, rodada como un medio de alejar sus demonios personales en un momento de su vida.

Otro tanto hizo Bob Fosse, rendido admirador de la obra felliniana, cuando en 1979 expuso su vida, virtudes y defectos, en la película All That Jazz

En ambos casos el resultado obtenido es espectacular, lo cual no es ciertamente nada sorprendente porque son obras catárticas para un artista, un genio, que, como aseguraba el gran Pablo Picasso, cuando la musa inspiradora se acercaba, siempre les encontraba trabajando. Esas dos grandes películas lo son porque son fruto del sufrimiento del artista que decide poner en la palestra sus inquietudes exorcizando sus demonios personales, vomitando fuera de sí sus angustias logrando que el público espectador sienta de inmediato una cierta afinidad por el genio comprobando que, al fin y al cabo, es humano.

Seguramente si preguntara en voz alta quién estaría de acuerdo en que se rodara mañana un refrito de All That Jazz me lloverían las críticas adornadas con los más variados epítetos y ninguno halagüeño: porque hacer una versión de una película tan personal es casi una locura, aparte de innecesaria actividad cinematográfica.

Sin embargo, muchos fueron los aplausos que concitó la idea de trasladar a las tablas escénicas la película de Fellini reconvirtiéndola además en un musical. El montaje, basado en libreto de Mario Fratti retomado por Arthur Kopit y provisto de música compuesta por Maury Yeston, siendo el primero de los muchos coreógrafos que han intervenido Thommie Walsh (ya que en cada versión los bailes han cambiado significativamente), fue un éxito a principios de los ochenta del pasado siglo. Tanto éxito tuvo, que incluso se ha repuesto en Broadway en este siglo que estamos.

Sin duda los Weinstein, que se la jugaron cuando dirigían la Miramax al entregar a manos del novato Rob Marshall la dirección de Chicago, pensaron que éste era el más apropiado para dirigir la traslación cinematográfica del drama musical y así hace ya casi tres años se inició la rocambolesca pre producción de Nine, recién estrenada en España sin que su título haya sido traducido, pese a ser tan fácil en este caso. (Será que a los traductores de títulos lo que les gusta es meter la pata y claro, con ésta no podían.)

Cuando he adjetivado la pre producción he pretendido nada más despertar la memoria de tantas noticias como se han podido leer: cambios de intérpretes, rechazos, abandonos, dudas, en fin. Nada nuevo en el mundo del cine pero poco ventajoso para una película que parte de un guión escrito con ciertas dificultades por Michael Tolkin, rematado por el ya difunto Anthony Minghella en base al libreto de la pieza escénica, que toma aspectos interesantes del guión de la película de Fellini pero deja en el tintero, americanizándolo, otros aspectos.

Nada más lejos de mi voluntad que establecer comparaciones, siempre odiosas: la película de Fellini ahí está y ese medio punto añadido para construir un musical podríamos decir que no suma pero ayuda a construir un producto distinto. Digamos que los avispados productores de Broadway se aprovecharon de la buena idea de Fellini.

No he tenido la suerte de poder ver en el teatro el drama musical. He comprobado que, a cada versión en diferente ciudad y tiempo, la coreografía era responsabilidad de alguien distinto. Y he tropezado, buscando en la red, con uno de los números más impactantes, ajeno a la película:

Coreografiado por Keith Young, con Jordi Caballero y Carmit Bachar, para un programa televisivo:

Be Italian

Este tío está divagando, puede que piense algún amable lector.

Pero no. Véase un trocito de lo que Rob Marshall ha coreografiado para el mismo tema, cantado por Stacy {Fergie} Ferguson :

Be Italian (Nine, 2009)

Hay una clarísima diferencia: en la película, no hay ningún varón agitándose, apasionado, entre tanta belleza.

El resultado es, en mi opinión, una versión "light", deslumbrante, pero descafeinada, como dejando aparte el componente sexual interactivo, quedando como un mero espectáculo de varietés y no muy original, ya que el uso de la arena como extensión de las bailarinas ya aparece en El Violinista en el Tejado coreografiado por el gran Jerome Robins, adaptado por Tommy Abbot para el cine.

Tanto Fellini como Fosse, en sus respectivas películas, dirigían su propia historia: se reflejaban en cada fotograma y su pulsión era evidente: necesitaban exponerse públicamente en un alarde de exhibicionismo redentor, expiador de sus faltas.

Nada de eso aparece en Nine ya que Rob Marshall no está contándonos "su" historia: está dando forma cinematográfica a un libreto teatral reconvertido en guión y los elementos a su disposición no son, todos ellos, los más adecuados para tal ambicioso fin.

De entrada, la música, salvo cuatro números aceptables, nada tiene de inolvidable: si acaso, Be Italian puede ser recordado por su melodía y por la excelente voz de la apocopada Fergie. Pero no son canciones que vayan a pasar a la memoria popular, seguro. Y los intérpretes las cantan bastante bien, pero ninguno de ellos demuestra dotes de baile remarcables.

Daniel Day-Lewis canturrea pero no baila en absoluto y su personaje, ese Guido Contini, es el eje alrededor del que gira toda la trama: es el alter ego del director; o debería serlo, que no lo es, porque desde luego Marshall no expone nada propio.

Así que estamos frente a un drama musical cuyo protagonista participa a medias porque evidentemente, cuando se trata de dar cuerpo al atormentado Guido, Day-Lewis no tiene ninguna dificultad y entendemos perfectamente el estado de ánimo que le embarga en todo momento.

La recreación de las dudas que asaltan a Guido en un momento de transición de su vida y su relación con distintas mujeres es el núcleo de la trama y Marshall usa muy bien la transfiguración onírica presentando los números musicales con buen ritmo aunque, forzado por la inexistencia de bailarines en el elenco, disimula la carencia gracias a Dion Beebe con su cámara mágica iluminando las escenas apropiadamente y montando las diferentes tomas en la mesa de moviola regida por Claire Simpson y Wyatt Smith que intentan salvar los papeles.

Probablemente esa conversión en musical, añadida a la dispersión de tantas actrices que acompañan al protagonista, comporta que algunos caracteres femeninos queden desdibujados por falta de minutos en escena aunados a falta de fuerza y precisión en el guión: así, Saraghina (Fergie), como mujer que despierta la sexualidad de Guido siendo un niño y Claudia (Nicole Kidman) su actriz favorita, quedan en apenas una aparición espontánea y ninguna de ellas se marca un baile con Guido.

Penélope Cruz resulta sexy en su papel de Carla, la amante obsesionada, cantando y moviéndose bien, aunque su personaje, adornado de un dramatismo complejo -ama a su esposo pero adora a Guido y no pretende romper su matrimonio (estamos en la Italia de los sesenta del siglo pasado, donde no existía el divorcio)- no acaba de perfilarse en buena parte por culpa del guión que no profundiza y que además da toda la sensación de haberse escrito para ser visto por públicos de toda edad: es decir, no para adultos expresamente.

Marion Cotillard domina todas las escenas en las que aparece y además canta muy bien los temas que se le confían ofreciendo un recital interpretativo incluso por encima del protagonista, dejando la sensación en el espectador que se le hubiera podido exprimir todavía más.

Marshall cumple con la misión de llevar el drama musical a la pantalla demostrando que ya conoce bien los trucos cinematográficos hasta el extremo de filmar con calidad las intervenciones musicales de Judi Dench (que canta muy bien su fácil canción), Sophía Loren (que más que cantar recita entonando) y la joven Kate Hudson que, como representante estadounidense en la historia, goza de una especie de video clip con aires extremadamente sesenteros del siglo pasado en una versión muy pop de su tema.

Uno tiene la sensación que Marshall recrea con cierta moderación la historia y en ello consiste su mayor error. El conjunto es musicalmente poco consistente y el drama existencialista del protagonista queda un tanto almibarado sin dejar de resultar un desafío para el espectador que debe prestar su atención al discurso, al igual que ocurre en la película de Fellini o en la de Fosse, ésta mucho más atrevida que Nine incluso pasado tanto tiempo.

La conclusión es que la comercialidad se verá mermada injustamente, porque aunque los obstáculos relatados carezcan de suficiente enjundia para adjetivarlos como errores, probablemente alejará de la taquilla a muchos espectadores, acostumbrados a sentarse frente a productos que no requieren pensar.

No diría que es imperdible, pero sí que el cinéfilo amante del género musical debe hacer por verla, más que nada para juzgar por sí mismo y comprender que filmar un musical no es tan fácil como parece: hay obstáculos insalvables.